"CRITICA DE BIRDMAN", O LA DICHA DE VER UNA PELÍCULA POR LO QUE ES Y NO POR LO QUE SE DICE DE ELLA

BIRDMAN, O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA (Birdman, or The Unexpected Virtue of Ignorance). Dirigida por Alejandro G. Iñárritu. Guión de Alejandro G. Iñárritu, Nicolás Giacobone, Armando Bo y Alexander Dinelaris. Producida por Alejandro G. Iñárritu, John Lesher, Arnon Milchar y James W. Skotchdopole. Música de Antonio Sánchez. Director de Fotografía: Emmanuel Lubezki. Montaje: Douglas Crise y Stephen Mirrione, Con Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Naomi Watts, Zach Galifianakis, Andrea Riseborough, Lindsay Duncan. EEUU, 2014. Comedia, 

Estos meses, la prensa impresa y en linea se han afanado elogiando- casi unánimemente- la nueva película de González Iñárritu (¿por qué la G. en vez de González???). Nos unimos desvergonzadamente al coro, con la esperanza (como reza nuestro título) es que, sea lo que sea que digamos o dejemos de decir, vayan a ver este filme.  Advierto: evitaremos el blablablá sobre las posibles similitudes de la vida del personaje del filme y del actor que lo interpreta, creemos que ese morboso chismorreo no le pone ni le quita nada a la obra que queremos comentarles. Nuestro blablablá es de otros aspectos. Sorry.  Entremos en materia. 

 Riggan Thomson (interpretado por Michael  Keaton) es una estrella de cine venida a menos. Antes popular por haber encarnado en los años 90 a un superhéroe (Birdman),conoció el Olimpo de la fama y la fortuna, pero ahora está quebrado, divorciado, la relación con su hija Sam (Emma Stone) pende de  un hilo y su percepción sobre su carrera (percepción no muy alejada de la realidad) es que no se le toma muy en serio por  haber sido masivamente popular en un disfraz con alas. Ha puesto todas sus esperanzas para reivindicarse con todos (especialmente consigo mismo) escribiendo, dirigiendo y actuando en Broadway una obra de teatro, una adaptación de los cuentos de Raymond Carver De qué hablamos cuando hablamos de amor (por supuesto, esto no es casualidad).  Los acontecimientos suceden durante los preestrenos y el estreno de la puesta en escena,  entre bambalinas, escenarios,  bares y tejados.  

 El título alargado del filme, injustificado para algunos, al menos da para una interesante discusión con tus amigos y su significado podría estar encerrado en un papel higiénico marcado con rayitas       ( ver el filme para captar). A los pocos minutos ya se evidencia la maestría de G. Iñarritu como director, esta vez con el  aporte de Emanuel Lubezki (otro mexicano, cuyo trabajo fotográfico es invaluable): un claroscuro difundido por los laberínticos  pasillos del teatro, las calles, los bares, y alimentado casi todo el tiempo apenas por luz artificial (percibo esto como un recurso para hacer énfasis en la crisis de Riggan, su vida oscurecida y desorientada en la que trata de recuperar algo del prestigio perdido por blockbusters palomiteros), Todo el filme montado en un hermoso plano secuencia (artificial valga la aclaración) de manera que todo el filme parece hecho de una sola toma. Es opinión de algunos críticos que me he encontrado por ahí, que dicho método es petulante. No veo por qué. Fue astuto este recurso  cuando Hitchcock lo aplicó en  "La Soga" (Rope, 1948) . En "El Arca Rusa" (Russkiy Kovcheg, de Alexander Sokurov, 2002), el haber hecho todo el filme de 90 minutos en una sola toma (esta vez , real) dio un resultado que sí, puede parece pretencioso, pero aún así magistral  En manos de G. Iñarritu, el montaje invisible resulta en una verdadera obra de arte, donde comprimimos varios días en esa toma de la que no nos separamos hasta el epílogo, sin que nos cansemos ni un instante. Otro elemento más fino, sin embargo, fue la pertinente banda sonora de Antonio Sánchez, con mucha percusión picante y aplastante ( no hay problema en sumergirnos en esa música y de pronto darnos cuenta que el baterista está ahí frente a nosotros, incluso a niveles oníricos).

Los diálogos chispeantes (en especial con la aparición de un estupendo Edward Norton ) nos muestran lo perdidos que se siente este grupo: el actor casi acabado, el artista borracho e impulsivo, el amigo productor al borde de un ataque de nervios (pero que mantiene las cosas a flote), la hija adicta, la actriz que ve amenazado su sueño de brillar en Broadway, la comentarista  de teatro cínica y pre juiciosa... Lo peculiar, lo brillante del caso es que tan patético escenario es una comedia. Tan negra como algunos pasillos del teatro en crisis. Dándonos butaca para contemplar el paralelismo entre la tragedia de Riggan y la obra que tan desesperadamente intenta levantar.
 La mejor propuesta que le he visto a este director (y la primera que estoy dispuesta a ver varias veces con gusto) Y nos encontramos riéndonos de las vergüenzas ajenas, sin que por ello abandonemos la esperanza de que sí, de que Riggan lo logre y que supere esa voz grave y emplumada que le quita la paz.  

Hoy hablé con mi hermano sobre la próxima premiación de los premios Oscar, premiación que este año agradezco por tener esta y otras propuestas frescas y variadas (Boyhood, Whiplash, El Gran Hotel Budapest...). Estoy muy contento porque en EEUU (aunque dirigidos por un latino) se hayan animado a hacer esta enorme crítica a la cultura de consumo y glamour que lleva la pauta en el país del norte. Le dije a mi hermano que si Michael Keaton no se lleva el Oscar, dejo de ver esa premiación al menos por cinco años. Se los juro. Así de lograda, profunda y honesta es su propuesta, apoyada por los ojos de Emma Stone y un elenco que se acopla como pocas veces. Obligatoria. Le voy a Birdman. No para el Oscar, que ya se merece. Le voy para su espacio en mi colección. Créanme, a estas alturas eso es decir mucho. Pero vean Birdman por lo que es, no por lo que se dice de ella. De verdad

Calificación: *****

***** Excelente

**** Muy Buena

*** Buena

** Regular

* Mala

0 Muy Mala

00 Pésima

"Ex Batman Versus Ex Hulk". Lo siento, no pude resistirme.

INTRODUCCION A LAS CURIOSIDADES DE WES ANDERSON

Obligatorio referirse al cine de Wes Anderson, a propósito del estreno nacional de su multinominada EL GRAN HOTEL BUDAPEST (2014). Para muchos que se creen fanáticos del cine, este artista y director es de los mejores para separar la paja del grano. La paja: los fanáticos palomiteros ávidos de explosiones y efectos especiales cada vez más sofisticados. El grano: el cinéfilo, el dispuesto a maravillarse ante nuevas formas de contar historias con una cámara y un puñado de gente con talento.

Y es que a estas alturas, encontrarse con autores- autores- que se dedican a ponerle un sello personalísimo a sus filmes es harto escaso. No nos referimos a directores buenos y malos. Nos referimos a directores que logran desarrollar una caligrafía apreciable y distinguible. Cada vez más escasos. Algunos siguen ahí desde su veteranía y resultados de calidad variable (Woody Allen, Pedro Almodóvar, los Cohen...). En Estados Unidos y con Hollywood es peor la cosa, pero afortunadamente algunas voces jóvenes se levantan: Sofía Coppola, Alexander Payne, por mencionar algunos. Y claro, Wes Anderson. 

Wes Anderson, voz creativa y autor de desconcertantes cuentos, inició su curiosa historia desde su inusitado origen: nació en Texas. En la universidad se topó con dos cosas que influyeron mucho en su vida: el estudio de la filosofía y al actor Owen Wilson. Con él hizo su primer largometraje, BOTTLE ROCKET (1996), y Wilson seguiría participando en casi todos sus filmes de una u otra forma.

Aunque Bottle Rocket tuvo algún reconocimiento en los circuitos independientes, lo que lo hizo más notorio a nivel nacional e internacional fue RUSHMORE (1998), entrando en la fábula a través del adolescente más particular de la historia. Y desde entonces ha ido desarrollando su estilo, esa caligrafía que tanto le admiramos y que incluso ha llegado a la animación con El Fantástico Señor Zorro (2009)

Pero ¿qué es lo que hace a  Anderson un director cada vez más notorio para los amantes del cine? Pongo algunos elementos que han logrado establecer su sello:

Para empezar, su recurso más reconocido y utilizado: la simetría. Anderson ordena con meticulosidad cada toma para lograr este efecto. Prefiere por ello los primeros planos de sus personajes, con el rostro justo en el medio. Desde los créditos iniciales hasta el final, golpea y golpea la pantalla con imágenes de simetría casi desquiciante, que en manos de otros sería absurdo. Pero en manos de Anderson es absurdo y genial. Les dejo este excelente vídeo (no es de mi autoria aclaro) , para ilustrar lo que hablamos. 

El manejo de la cámara también tiene sus particularidades. Anderson prefiere los travelings cortos,  paralelos al movimiento de los actores,y eso si tiene que mover la cámara. Pero es más llamativo que prefiere dejarla en un solo lugar y obligarla a girar, con movimientos bien definidos de 90, 180 y 270 grados (en especial giros de 90 grados). Para continuar su obsesión con la simetría, no teme en llevar los diálogos de los personajes a una confrontación de frente a frente (180 grados) en vez de una colocación de cámaras en ángulo más estrecho como se hace más tradicionalmente al filmar a dos personas conversando. 

Otro punto alto de su filmografía es el uso del color. En cada una de sus películas se acentúa un segmento definido de tonaliidades y colores, no para empequeñecer las posibilidades de fotografía, sino para darle a cada obra una personalidad particular. En esto, Anderson se acerca a un pintor con una paleta bien planeada,

Otro de  los fuertes de las películas de Wes Anderson es de los más notorios incluso para el cinéfilo más tibio: un casting que parte de un grupo casi fijo de actores, casi todos ellos de alto perfil y que participan en la mayoría de sus obras. Este casting tiene un núcleo formado alrededor de Bill Murray, Jason Schwartzman y Owen Wilson (dice la leyenda que tiene que haber al menos una escena de Bill Murray fumando.) Agréguenle a este núcleo a un verdadero alud de grandes, talentosos actores de alto nivel, dispuestos a trabajar (y volver)  en estas alocadas historias: George Clooney, Willem Defoe,  Meryl Streep, Angelica Huston, Gene Hackman, Adrien Brody, Tilda Swinton, Edward Norton, Harvey Keitel, Jude Law, Ralph Fiennes...

Anderson logra lo que Woody Allen lleva haciendo por años: atraer a grandes actores a filmes de corte independiente, a punta de personajes interesantes y de la reputación que da participar en sus proyectos. Con respecto a sus personajes: existe una gran tendencia a dibujar personajes estropeados o incomprendidos, que quizá alcanzaron  cierto éxito pero que se anuncia su pronta decadencia. Suena pesimista si lo simplificamos así, pero hay que agregarle la dulzura, el tremendo sentido humano que alcanzan hasta en sus fracasos, y cierto "no darse por vencido" que le da tónica a casi toda su obra. Esto y la extravagancia: de eso hay montones. Y es que aventurarse en las historias fantásticas de WS es apuntarse a ver fábulas extrañas, humorosas, que apuestan tanto por hacerte reir por "el chico raro", como provocarte levantar una ceja, al revelarte la tragicómica verdad: el "chico raro" sos vos.Somos todos nosotros. En películas hermosas de gusto adquirido.  Invitados todos. Pocos los elegidos. 

MOMENTOS DE UNA VIDA (BOYHOOD). Una obra obligatoria para cinéfilos

Richard me llamó y me preguntó: que vas a hacer los próximos doce años?

                                                                                                          PATRICIA ARQUETTE

Como bien saben los cuatro amables gatos que me siguen, hace meses que no subo notas al blog. Los motivos, afortunadamente, fueron todos de naturaleza positiva y que simplemente me llevaron a empujar al blog un poco atrás de otras prioridades: familia, viajes, academia, y -también, pero de a callado- montones de cine. Además, me he alejado de ese amigo bullicioso, sobreinformado y morboso que es Facebook. Me había decidido a reabrir el espacio solamente si pasaba algo grande. Quiero decir, algo verdaderamente grande, en los aconteceres del arte en el cine. Y me tropiezo con MOMENTOS DE UNA VIDA (Boyhood, de Richard Linklater, 2014). Y aquí estamos.
Posiblemente muchos de los que lean esta nota ya están enterados de la empresa que fue la realización de este filme, pero por los que no, conversemos un rato.
Nunca en la historia del cine se había filmado una película de la manera en que se filmó Boyhood. Ya llegaremos a eso.Primero,mencionaré algunos  antecedentes históricos,  que sin ser estrictamente iguales, guardan cierta similitud, al menos en su espíritu narrativo.

1955:En la India, Satyajit Ray estrena LA CANCION DEL CAMINO (Pather Panchali). un drama familiar centrado en la vida de  un niño brahman. El èxito de la propuesta impulsó a que Ray continuara las andanzas del  muchacho en dos películas más, conformando lo que se conoce como LA TRILOGIA DE APU. La ùltima, realizada en 1959, se enfoca en la vida adulta del personaje principal. las tres propuestas (en especial la primera) son consideradas joyas de la cinematografía.

1959: François Truffraut, avispado crítico y comentarista de cine, inicia su leyenda como director con LOS CUATROCIENTOS GOLPES (Les quatre cents coups) . Narra aquí las aventuras y desventuras de                                    Antoine Doinel (que es considerado como un recurso alter ego de Truffaut ). Eventualmente, dicho personaje sería el centro de varios filmes y cortometrajes, hechos a lo largo de 20 años, y siempre encarnado por el mismo actor: Jean-Pierre Leaud.

En los años noventa, el mismo Richard Linklater (cuya nueva obra es la razón de este comentario) inicia su célebre trilogìa ANTES DE... y también en esa ocasión con la complicidad de  Ethan Hawke.  

Fueron tres películas celebrantes del amor de las parejas, las tres interpretadas a cuatro manos por Hawke y Julie Delpy, se realizaron entre 1995 y el 2013, siempre arrojando luz sobre la dinàmica entre un hombre y una mujer que se conocen, se aman y se comparten. Punto alto de la filmografía de Linklater y del cine en general. Un comentario sobre dicha trilogía fue subida a este blog el año pasado, los invito a leerla.

Entremos en materia para contarles de Boyhood. El planteamiento de la historia es harto sencillo. Se trata de un collage, hecho con los momentos de la vida del personaje principal, llamado Mason, y de su familia, en concreto su hermana Samantha, y sus padres divorciados (que en la pelìcula son nombrados sencillamente así, Papá y Mamá). Mason es interpretado por el actor Ellar Coltrane. Samantha es llevado por Lorelei Linklater (hija del director). Los padres son muy bien llevados por Ethan Hawke y Patricia Arquette (en especial esta última, no me extrañaría una nominación al Oscar).

A qué tanta la bulla por otro drama familiar? Mason-les adelanto- es un chico cualquiera, con una familia cualquiera y con problemas harto frecuentes en las sociedades. En el filme- colección de instantes- sería difícil establecer que hay una trama definida, al menos en la narrativa convencional. Pero el modo como se planteó la realización de esta película es lo que, a su vez, levanta esta colección de momentos-engañosamente "comunes"- y los engancha en un cuento sobrecogedor.

Linklater filmó la película por 39 días solamente, pero esos 39 días los distribuyó a lo largo de 12 años. Literalmente, vemos a Mason crecer, madurar, convertirse del niño de 6 años que cree que las avispas vienen de la gotas de la lluvia, al chico de 18 años que descubre que no se trata de vivir el momento, sino que son los momentos los que llevan la vida. 

Con este ejercicio, Linklater le grita al mundo su amor por el cine y por la eterna búsqueda de nuevas posibilidades expositivas. Y logra tejer una historia que se muestra  como la existencia de las personas: al final, lo que realmente importó fueron ciertos episodios que a veces recordamos, a veces no, pero que tuvieron un impacto decisivo (una madre llorando porque no tiene todas las respuestas; un padre que le responde a su hijo sobre  la existencia de la magia; un consejo distraído a un empleado casual para que tome alguna clase). Vemos como nunca habíamos visto la transformación de las personas con el pasar de los años, y dicho cambio, si bien en parte  físico, se aprecia mejor en la personalidad, metas y deseos de los personajes (por eso digo que el que lleva Patricia Arquette es de lo mejor logrados: nos lleva prácticamente a todos los estados anímicos). Este filme (que se presta a sendas nominaciones al Oscar, y será digna competencia para el BIRDMAN de Iñarritu) pronto estará en las escuelas de cine y en los libros de historia. Como tiene que ser, por esa capacidad de aferrarse a lo más vivo de las personas (el cambio, equivalente a la vida) y de mostrarlo magistralmente, sin efectismos ni poses.  Advertidos quedan.  

EL DR ROBIN WILLIAMS

Se fue uno de mis actores favoritos. Ni el más talentoso, ni el más gracioso, ni el más exitoso. Pero Robin Williams siempre tuvo un encanto único, a veces empalagoso, la mayoría del tiempo genial y explosivo. La ingratitud de Hollywood ha hecho que hagan leña del árbol caído con las circunstancias de su muerte. Pobre  Robin.

Yo puedo guardarlo en mi mente con muchos de los personajes que encarnó: genio de la lámpara, presidente de los Estados Unidos, sacerdote, hombre de negocios,locutor, indigente, padre en problemas, Peter Pan, robot... Pero por razones personales, los papeles de él que me han atraído más son los de médico. O terapeuta. Y haciendo inventario, es increíble las veces que Robin Williams encarnó un papel de este tipo, y no nos habíamos dado cuenta. He aquí un recuento de sus mejores o más reconocidos papeles de este tipo. En muchos casos el hecho de que sea médico va muy relacionado con el desarrollo de la historia, en otros es sólo un dato más. Pero aun así es interesante echar un vistazo. Y lo mejor: al menos dos de esos personajes son de la vida real.

DR COZY CARLISLE.

ESPECIALIDAD: PSIQUIATRIA (Inactivo)

PELICULA: MORIR OTRA VEZ (Dead Again, de Kenneth Branagh, 1991)

El Dr Carlisle es un psiquiatra caído en desgracia, involucrado en una oscura trama de crímenes y reencarnaciones. Un trabajo pequeño en un buen filme de suspenso.

DR CHRIS NIELSEN

ESPECIALIDAD: no especificada en el filme. Posiblemente médico de familia, médico general o pediatra.

PELICULA: MAS ALLA DE LOS SUEÑOS (What Dreams May Come, de Vincent Ward, 1998). En este filme ( que no funciona del todo, una belleza plástica que pretendia ser arrebatadora y resultó empalagosa), el Dr. Nielsen presencia una accidente de varios vehículos. Corre con su maletín a ayudar, pero un auto lo mata y lo manda derecho al Cielo. Literalmente.

DR SEAN MAGUIRE

ESPECIALIDAD: PSICOLOGO TERAPEUTA Y ACADEMICO

PELICULA: CORAZON INDOMABLE (Good Will Hunting, de Gus Van Sant, 1997)

Un melodrama aceptable sobre un chico genio inadaptado, que debe sentar cabeza con ayuda de un terapeuta nada ortodoxo. Fue el Oscar para Robin Williams, en un filme más bien complaciente. Pero se le debe dar crédito por lo creible que desarrolló su trabajo, con un texto escrito por Matt Damon y Ben Affleck.

DR KOSEVICH

ESPECIALIDAD:  OBSTETRICIA.

PELICULA : NUEVE MESES (Nine Months, de Chris Columbus, 1995) 

En una comedia sobre la paternidad inesperada, donde el filme es en general un pastiche familiar, lo único destacable son las dos escenas donde sale el comiquísimo Dr Kosevich, de origen ruso, quien lleva una vida siendo obstetra para simios y recién obtuvo su licencia para recibir bebés humanos. La escena del parto es imperdible.

DR. MALCOLM SAYER

ESPECIALIDAD: PATOLOGO

PELICULA: DESPERTARES (Awakenings, de Penny Marshall, 1990)

El filme se basa en las investigaciones reales del Dr Oliver Sacks, quien utilizó L-Dopa para tratar a pacientes aparentemente catatónicos. La historia  llega a niveles de milagro médico y bien vale la pena verla, tanto por el trabajo de Robin Williams como por el de Robert de Niro.

Y por último, su trabajo más reconocido como médico.

DR HUNTER  DOHERTY "PATCH" ADAMS

ESPECIALIDAD: RISOTERAPIA (no reconocida como especialidad), MEDICINA HOLISTICA

PELICULA: PATCH ADAMS (de Tom Shadyac, 1998)

Inspirada en la formación de Patch Adams, médico y payaso, este filme es el que más relaciona el público a  Robin Williams con un papel con gabacha. Pese a la evidente manipulación sentimentaloide en el filme, su premisa (la risa y el amor como parte del tratamiento) son harto válidas. 

En lo personal, el papel más inspirador lo encontré en AWAKENINGS, que vi como diez veces en mis años universitarios. Pero sea cual sea el papel que a uds les guste más, espero que también tengan agradecimiento a Robin Williams, por estas y otras tantas encarnaciones geniales. Gracias Mork.

CRITICA DE CINE: X-MEN: DIAS DEL FUTURO PASADO

X-Men: Dias del Futuro Pasado (X-Men- Days of Future Past). Dirigida por Bryan Singer. Escrita por Simon Kinberg). Producida por Bryan Singer y Simon Kinberg. Música y Montaje: John Ottman. Con Hugh Jackman, James MacAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Nicholas Hoult. EEUU, 2014, estreno. Fantasía, ciencia ficción, acción. 

Viendo los primeros minutos de esta X- Men, me vino a la mente una frase adjudicada al escritor francés Paul Valéry: “El problema de nuestros tiempos es que el futuro ya no es lo que era”. Esto es, un lamento por la disminución de la esperanza a causa de las acciones de un presente mal llevado, que habrían ido oscureciendo un futuro alguna vez prometedor. Lamento y advertencia, cabría decir. Y de esto tiene mucho la película que discutimos.

En la historia  de este universo de cómics, los cada vez más escasos mutantes se pelean el pellejo contra los centinelas, robots modificados genéticamente para destruir cualquier rastro de ADN mutante. Gran problema, más aún si se medita en la alta relación de dicho ADN con el del ser humano, cosa que no se les ha escapado a las máquinas y que han llevado a toda la raza humana al borde de la extinción. Entre batallas, surge una idea: enviar la conciencia de un mutante al pasado, para tratar de prevenir un acto de odio que desencadenó todo.

Aquí se inicia el relato con grandes juegos narrativos e importantes implicaciones en diferentes planos: humanista ( los desastres que traen las llamadas limpiezas étnicas, abono para consecuencias peores), filosófico (el papel de nuestras decisiones, pequeñas y grandes, en el Gran Todo), ético- (qué tan lícito es juguetear con cosas tan serias como el ADN sin medir las consecuencias), científico ( las paradojas del tiempo y el posible viaje a través de él). Nada mal para una “peliculita salida de un cómic”, como le dicen algunos que desdeñan las posibilidades literarias y narrativas de ese género.

 Por supuesto,  no podemos omitir el plano emocional. En dos platos: la historia interesa, te lleva a muy buen ritmo, te absorbe. No le envidia nada a otras películas de ciencia ficción que han abordado el viaje en el tiempo, porque lo hace con gran respeto a la propia historia (coherencia interna narrativa). Así, lo fantástico es creíble, nunca le faltan el respeto a la inteligencia del espectador. Sólo los más avezados en la serie de películas encontrarán algún engranaje flojo al tratar de encajar perfectamente esta historia con alguna entrega anterior. Ejercicio inútil: con todo, el relato se  levanta por sí mismo. Y de qué manera.

Agradable sorpresa fue ver esta entrega de la saga iniciada en el 2000, y que a la fecha lleva 7 películas (y otra anunciada). Propuesta fresca, formalmente impecable con diseño de personajes por lo general  funcional, una renovación acertada de los ya conocidos junto con la buena introducción de algunos nuevos. Me gustó el balance, una obra casi coral en que es difícil elegir un personaje principal. Las actuaciones decentes, bien llevadas de parte de todo el elenco (que de por sí está lleno de figuras repletas de premios y nominaciones).  Algunas observaciones: Ellen Page y su personaje, Kitty Pride, tuvo un papel crucial en el desarrollo pero se le limitó su grado de acción (velar sentada por Wolverine). Me llamó la atención que a Halle Berry con su Storm le dejaron sólo una línea (ahí me corrigen si estoy equivocado). Mención especial al personaje Quicksilver: lástima que el personaje se fue rápido, y gracias por permitirme el juego de palabras.  Al Wolverine de Hugh Jackman lo ví menos enojado, más… cuál sería la palabra? ¿Apaciguado, amistoso, proactivo? Véanlo y me dicen. Me alegro que a Jennifer Lawrence (con su conflicto interno entre ser Raven y ser Mystique) le dieran una mayor participación y desarrollo de sus demonios internos...

Creo que el buen funcionamiento del fime tiene que ver con el hecho harto sabido por los geeks del mundo y que siempre se manejó como una buena noticia: el regreso de Bryan Singer (director de las dos primeras entregas también). Supo imprimirle energía a la saga (que ya empezaba a cojear un toquecito con The Wolverine de James Mangold, 2013). Esperemos que repita, y que nos siga sorprendiendo bien con estas propuestas. Termino mencionando la tarea obligatoria de toda película Marvel: quedarse al final de los créditos. Vale la pena . Si conoces a los X- Men te erizará la piel. 

CALIFICACION ****

*****Excelente

****Muy Buena

***Buena

**Regular

*Mala

0 Muy mala

00 Pésima

CRITICA DE CINE: OLDBOY

En la cartelera actual, hay un par de cines que se han animado a poner OLDBOY (de Spike Lee, 2013). Para los cinéfilos este estreno es de interés por dos razones (además del jugo que le podamos sacar a la película en sí, claro).

Empezando por el título. OLDBOY es, claro, un remake de un filme coreano, homónimo y de culto, dirigida en el 2003 por el renombrado Chan Wook Park (parte de su llamada "trilogía de la venganza" ). He tenido la oportunidad de ver dos de esas tres propuestas, suficiente para ubicar a Chan Wook- Park como un director de palabras mayores en lo que respecta a historias de sangre y revancha. piensen en un Quentin Tarantino ( los más nuevos), o en un Sam Peckinpah (los más viejos), pero oriental. Y más visceral. ¿Difícil de creer? Lo era para mí también.  Wook - Park se propuso llevar a niveles literarios - no lejos del realismo mágico- y con historias muy perturbadoras la vieja tradición del ojo por ojo. Y lo hace apelando al cerebro del espectador, a su corazón - hay que ser de piedra para no llorar en algunas de sus escenas- pero sobre todo a ciertas porciones francamente salvajes de nuestro ser. En efecto, hay que mentalizarse de antemano para no caer en un mantra hipnótico recetado poco a poco ante nuestros ojos por este coreano. Si no llegamos preparados y nos dejamos llevar, nos encontraremos disfrutando el sabor de la revancha a niveles casi morbosos. Como nota final sobre el origen, valga decir que el fime original se basa a su vez en un manga de Garon Tsuchiya, pero eso es para otro día.

Vamos al segundo elemento. ¿Cuál director se animaría a realizar nuevamente, una obra no tan vieja y considerada de culto, con el fin de hacerla más accesible a todos aquellos angloparlantes que les da pereza   el cine extranjero y leer subtítulos? El que se echó la labor fue Spike Lee ( Atlanta, EEUU, 1957). Este caballero se empezó a formar reputación como director de historias de controversia y agitación, muy en relación con sus temas favoritos: el racismo y la injusticia asociada a esta, especialmente en lo que respecta a la población negra de su país. 

Basta con señalar dos de sus obras más conocidas para recalcar su compromiso con la dignificación de los afroamericanos: su chispeante Haz lo Correcto (Do The Right Thing, 1989), y su célebre Malcolm X  (1992). Es un director tan interesante que se merece su propio tema, y de él nos ocuparemos con más detalle en un futuro cercano.

Entremos en materia. Para analizar un refrito es tentador caer en lo obvio: la comparación. Trataré de evitarla, no sé si tendré total éxito, pero en esas vamos.

Oldboy es la crónica de una venganza. Joe Doucett ( Josh Brolin ) es un tipo cualquiera. Ni siquiera es un buen tipo y tiene problemas con la bebida. Pero un día, después de una borrachera, se encuentra en lo que parece la habitación de un hotel. El orden es perfecto, pero se encuentra encerrado. Desconoce quiénes lo llevaron ahí o por qué. Su única compañía es un televisor, por el que verá pasar el mundo y los cambios que tiene a lo largo de su confinamiento, que dura 20 años. Y un día, con la misma falta de explicaciones con la que lo encerraron, lo sueltan. En su poder un grueso fajo de billetes, y un celular. Y en el celular una cuenta regresiva. Inicia -cree iniciar- el desarrollo de aquel viejo refrán: " la venganza es un plato que se sirve mejor frío". 

Este interesantísimo arranque logra enmarcar una historia llena de enigmas. Y en la resolución de las preguntas que el protagonista se hace - y las que debería hacerse, según le aconseja el villano-, presenciamos una sanguinolenta pila de víctimas colaterales y efectos secundarios. Recalcamos que se notó el esfuerzo de Lee de poner ante nuestros ojos situaciones de pelea interesantes, como es la escena del enfrentamiento del liberado contra una horda de forajidos, con un plano secuencia a traves de dos pisos. Este y otros montajes son claras referencias a la película original, lo cual invita a la comparación y me encharca la cancha para este comentario. Pero sigamos.

En general la ambientación , la música y fotografía cumplen bien su cometido, en especial la primera en lo que respecta a la habitación del hotel. El fuerte del filme es su guión, material suculento que le permite a Lee desenvolverse bien, con un montaje y un ritmo cambiante que se adecúa a las situaciones ( como un auto que cambia bien de marchas en subidas y bajadas). Spike Lee incluso se permite ser, por ratos, hitchcockniano. En especial cuando el protagonista consigue las primeras pistas que lo llevarán a las respuestas que busca. Pero a Lee le vemos una faceta nueva: el uso de elementos propios del gore, y no duda en echar mano de las imágenes generadas por computadora si quiere mostrarnos un pistoletazo en la cabeza en un sobrio (¿?) plano americano. Impacta.

Esta película es genial? Dista de serlo. Brolin cojea en su interpretación, a veces conmueve y a veces se esfuerza demasiado por ser "el duro". Una escena que pretendía ser erótica se reduce a una situación impuesta a la fuerza y resuelta sin gracia ni estilo, un coito que por su peso en la historia se pudo haber impregnado de más afecto y emotividad. Parecían dos viejos con floja calentura, incluyendo a la atractiva Elizabeth Olsen (cuyo desempeño en el resto del filme sí fue bueno). Pero lo peor de la película fue el trabajo del actor Sharito Copley. ¡Qué mal que lo hace! ¡Qué muecas mas insufribles, qué intento  de "mirada de trastornado" más fracasada! Esperemos que vuelva al nivel que tuvo, por ejemplo, en Distrito 9. Samuel L. Jackson? Lo hace bien, en un tipo que combina la crueldad más académica con un retorcido sentido del deber y los negocios.

 Por fortuna es buena la resolución de la trama, con el punto de giro del final bien colocado y la resolución de la venganza ( que creíamos entender). No será mi recomendación más calurosa, pero es en general un buen filme. Incluso pienso volver a verla, al igual que la original coreana. Háganlo ustedes también. Claro, si tienen estómago.

CALIFICACION: ***

*****Excelente

**** Muy Buena

***  Buena

** Regular

*  Mala

0  Muy Mala

00 Pésima

LAS 10 MEJORES PELICULAS DE UNA HISTORIA DE STEPHEN KING

Uno de estos días me pongo a hablar con un amigo. De cine. De libros. De pelis basadas en libros de suspenso. Inevitablemente la dirección del diálogo tenía un curso, no puedes esquivarlo, terminas hablando de Stephen King.

Stephen King (Maine, EEUU, 1947), para aquellos que no se han enterado, es uno de los escritores más vendidos de los siglos XX y XXI. Licenciado en Arte e Inglés, desde muy joven empezó esa chochera que es escribir porque te apasiona. Encuentra el éxito en los años setenta y ochenta, consolidándose como un escritor sumamente productivo. Muy influenciado por Edgar Allan Poe y por H. P. Lovecraft, sus obras- sin llegar a ser las joyas literarias que dejaron los otros dos- son, a estas alturas, mucho más populares que la de sus inspiraciones. Tiene la maldición que una vez afectó a Alfred Hitchcock: es demasiado popular, por lo tanto, los círculos más intelectuales prefieren no tomarlo muy en serio. Pero él está bien con eso. Como en su momento Hitchcock.

Y pasa algo curioso. Si bien Poe y Lovecraft son escritores que merecidamente se encuentran entre lo mejor de la literatura del terror, sus novelas y cuentos al ser llevados al cine pocas veces funcionan bien. Y en esto sí se diferencia King, más del siglo de las películas y la cultura pop: sus relatos han sido llevados a carretadas al cine, con resultados de calidad variada pero con algunos verdaderos clásicos bien logrados. Para hacerlo más interesante, algunos de las mejores adaptaciones que les han hecho a las obras de King no son precisamente de terror, o al menos no se limita a este, y al descubrirlas más abajo sé que más de uno se rascará la cabeza: "¡Cómo! Eso es de Stephen King? ".

Un denominador común es que sus novelas son de gente común,  pueblos pequeños de clase trabajadora, a los que les pueden pasar cosas sobrenaturales. Otra característica notoria es que en muchas ocasiones, el protagonista principal es un escritor. Y , lo que es más rescatable: deja que los infiernos íntimos de sus personajes se desenvuelvan de forma natural, casi como si fueran personajes en sí: el alcoholismo, la codicia, el miedo, la obsesión, lo paranormal...

Pese a que en los últimos años- problemas de salud, aparentemente- han hecho que reduzca su producción, es un escritor que gustoso se lo pasan las generaciones, y los padres se encuentran ponen sobre la la pista a sus hijos para que lean La Torre Oscura, ESO, El Resplandor, Cujo, Misery...

Podríamos hablar de los proyectos de televisión sobre sus novelas, o discutir sobre algunos productos mediocres, malos y pésimos, incluyendo MAXIMUM OVERDRIVE (de Stephen King, 1986; literalmente este filme es de él, él la dirigió). Pero hoy se trata de contarles de esas películas  que mejor resumen su gran y perturbador mundo imaginario, grandes películas que a la postre existen porque un día, hace mucho, a él se le ocurrió escribir.Muchos al ver esta lista me van a reclamar que no está IT. Razón sencilla: miedo a los payasos.  

10- CEMENTERIO DE ANIMALES (Pet Sematary, de Mary Lambert, 1989). Basada en la novela homónima.Título propio del cine B de Terror, esconde sin embargo elementos fantasmagóricos muy atrayentes, incluyendo la mala costumbre de perturbar tierras indias sagradas, cosa que nunca trae nada saludable  aunque se tengan buenas intenciones. Siempre hay alguien que hace la observación que la palabra "cementerio" está mal escrita. Es adrede, lee la novela. 

9-LOS NIÑOS DEL MAIZ (Children of the Corn, de Fritz Kiersch, 1984).Basada en el cuento homónimo. Otra clase B, hay que admitir que es irregular pero tiene encanto suficiente para muchas secuelas y hasta adaptaciones para televisíón. Critica- como otras porpuestas de King- lo insalubre del fanatismo religioso.Sin perder el toque sobrenatural. Curiosidad: John Franklin, que hace el papel de Isaac, tenía 25 años cuando hizo este filme, y lo hicieron bien parecer un niño. 

8-LA TIENDA (Needful Things, de Fraser C. Heston, 1993). Basada en la novela homónima. Una de las más desconocidas por nuestras latitudes. Con sólo presenciar un duelo actoral como el que se echan encima Ed Harris y Max Von Sydow merece la pena su búsqueda.Von Sydow (luminaria desde sus colaboraciones con Ingmar Bergman, y que nunca podrá aparecer en demasiadas películas) se ha dado el lujo de interpretar entre otros a Jesús, a un  renombrado exorcista... y al dueño de esta tiendita de pueblo.

7-La Niebla (The Mist, de Frank Darabont, 2007). Basada en el relato homónimo incluido en la antología Fuerzas Oscuras. Gran propuesta de terror que incluye los elementos narrativos favoritos de King: un pequeño pueblo, un hecho aparentemente sobrenatural y horripilante, una religiosa loca, la clase normal trabajadora envuelta, un artista involucrado como protagonista principal... Fue la tercera incursión de Frank Darabont en una historia de King, Es la más floja de sus tres propuestas, pero por el simple hecho de que las otras dos son filmes soberbios. Sostiene bien una historia que mezcla terror, ciencia ficción y el más primitivo miedo a lo desconocido.

6-CARRIE (Carrie, de Brian de Palma, 1976). Basada en la novela homónima. Una historia de adolescentes con demasiados clichés, pero con la introducción del conflicto (la chica descubre que posee telequinesis) se da una historia bastante tolerable. Oportunidad de ver a un muy joven John Travolta , una de las primeras propuestas fílmicas de Brian de Palma, y uno de los finales mas efectistas de la historia del cine. El remake hecho en el 2013 queda debiendo en muchos planos.

5-MISERY (Misery, de Rob Reiner, 1990). Catapultó al estrellato a Kathy Bates, sacudió la carrera de James Caan , y nos colocó inmovilizados en una cama a merced de una enfermera loca. Buena propuesta de los noventas, y funciona en gran parte al guión, firmado por el legendario William Goldman.

4-LA MILLA VERDE (The Green Mile,de Frank Darabont, 1999). Basada en la novela por entregas homónima. Una de las más humanistas películas contra la pena de muerte, una de las más exitosas, y la única-creo yo- que logra introducir en el tema sendos fenómenos sobrenaturales. El sólo hecho de ver al gigante Michael Clarke Duncan (q.d.D.g.), conmovido por su primera película, le remueve el corazón a cualquier cinéfilo.

3-CUENTA CONMIGO (Stand By Me, de Rob Reiner, 1986).Basada en la novela El cuerpo. La película por excelencia de la amistad infantil. Cuatro amigos se escapan de casa para buscar el supuesto cadáver de un chico. No sólo las actuaciones brillantes del cuarteto (en el orden usual: Will Wheaton, el fallecido River Phoenix, Corey Feldman y, aunque no lo crean, Jerry O´Connell ), sino la lograda apelación a la nostalgia por la niñez que logra, hacen de este filme un clásico. Y rescató el famoso tema de Ben E. King, Stand By Me, para que lo tarareáramos un montón de generaciones.

2-EL RESPLANDOR (The Shining, de Stanley Kubrick, 1980). El monumento. Una de las obras de terror más estilizadas de la historia, tanto que la belleza y la trama opacan por momentos el miedo al que supuestamente se apela. A Stephen King no le gustó. Lo comparó con un coche de lujo sin motor, y años después permitió una miniserie más apegada a su novela. Sin embargo puedo afirmar que es uno de mis filmes favoritos, no sólo del maestro Kubrick sino de todos los filmes que he visto. Jack como Jack, dejando que su mente se perturbe poco a poco ante nuestros ojos, una Shelley Duvall llevada al límite, el trabajo del niño Danny Lloyd, los traveling a través de pasillos de hotel y laberintos nevados, la cámara trasgresora en los diálogos, la fotografía  perfecta, la simetría, el misterio final... Al final, la leyenda dice que es el filme más alquilado en la historia de los videoclubes, y vayan ustedes a saber cómo le fue a la miniserie.

Y finalmente, un filme que perdió el Oscar a mejor pelicula, junto con PULP FICTION (de Quentin Tarantino, 1994), frente a la sobrevalorada FORREST GUMP (de Robert Zemeckis, 1994). Un filme que poco a poco se ha ganado su posición como clásico, y que este año cumple su 20 aniversario. Un filme que si se meten hoy 1 de mayo 2014  al top 250 de la megabase de datos IMDB la encontrarán de NUMERO 1, temporalmente sobre EL PADRINO y otros filmes fenomenales   ( http://www.imdb.com/chart/top?ref_=nv_sr_2)  . Tanta es su popularidad. Y ni siquiera  es de terror.

1-SUEÑOS DE FUGA (The Shawshank Redemption, de Frank Darabont, 1994). Basada en el cuento Rita Hayworth y la redención en Shawshank. Andy Dufresne es condenado a cadena perpetua por el asesinato de su esposa. Ahí se encuentra con Red, otro condenado por un delito similar, y se logra una peculiar amistad. No es lo que le ocurre a Andy con el pasar de los años,  lo que lleva a este filme a niveles especiales: es lo que Andy logra que ocurra. Es una de las pocas películas sobre historias de Stephen King que no echa mano de pesadillas sobrenaturales: basta con los demonios mas íntimos de cada  humano y enfrentarse a ellos para armar un excelente relato. Y aquí está la prueba. 

Los invito a que mi digan cuál meterían en esta lista . Pueden postear en el blog o escribirme a yoveocine@gmail.com, comenten, ¿cuál película sobre obras de Stephen King incluirían ustedes y por qué? Cuál es su favorita? Y gracias por haber llegado hasta acá.