George Takei, π (pi), Darren Aronofsky y yo

Hace pocos días volví a darle un vistazo a la página de Facebook de George Takei. Como cualquier geek promedio sabe, George Takei es uno de los actores de la serie original de STAR TREK, haciendo el papel de Sulu. 

La página y las publicaciones que Takei hace son harto interesantes, montones de chistes y observaciones ingeniosas, o al menos curiosas. Hace unos días hizo señaló una próxima fecha y hora: marzo 14, a la 1:59 con 26 segundos. Sería asÏ:

3 14 1 59 26

Y de esta manera obtenemos las primeras ocho cifras del número enigmático por excelencia: el número pi (π).

Esta sencilla curiosidad numérica (no pasa de eso, no entraremos en predicciones mayas ni en revelaciones nostradámicas) inevitablemente me trajo a la mente uno de los filmes de esos pocos directores de EEUU que pueden llamarse aún autores: Darren Aronofsky.

Darren Aronofsky es poco conocido en nuestro medio, al menos para las GMCP (grandes masas consumidoras de palomitas). Pero algunos de sus títulos han venido con relativo exito a nuestros cines y afortunadamente no han pasado desapercibidas, gracias a su gran calidad, lenguaje cinematográfico y pese a  ser propuestas atípicas para el repertorio norteamericano.Entre sus filmes podemos destacar EL CISNE NEGRO (Black Swan, 2010), por la que Natalie Portman ganó un merecido Oscar; EL LUCHADOR (The Wrestler, 2008), por la que Mickey Rourke perdió inmerecidamente un Oscar; LA FUENTE (The Fountain), abucheada y estrafalaria poesía con un Hugh Jackman atípico.Para este año esperamos su NOE (Noah, 2014) con Russell Crowe como el patriarca bíblico. Viniendo de Aronofsky podemos esperar cualquier cosa.

Por supuesto, la que quiero traer a colación es su primer largometraje, de franco corte independiente: PI (π), de 1998. Por favor no confundir con "la vida de Pi" y dejar a Ang Lee en paz.

En este filme, realizado en los noventas con un perturbador blanco y negro, un matemático se ha obsesionado con un número que explique el interminable fluido de la naturaleza, aparentemente caótico pero con una escurridiza clave secreta. En esta búsqueda, su genio y perturbación lo llevan a tropezarse con su propio y limitado ser víctima de la migraña, con misteriosos empresarios interesados en la aplicación de sus descubrimientos para el lucro, y con la misma cábala judía, en la que un grupo de ortodoxos desean encontrar los misterios de Dios.

¿Suena extraño? Créanme: lo es. La película es una delicia intelectual. No resulta inverosímil adivinar influencia de autores que coquetean con el surrealismo: Buñuel, Lynch, y hasta el chileno Jadorowsky. Pero aunque el tema se aleja de cánones vulgares, la linea argumental se permite ser accesible, y Aronofsky lleva al espectador a través de todos elementos de una forma ágil, nunca aburrida, siempre perturbadora. Aprovechando la curiosidad numérica señalada por un tripulante de la imaginaria Enterprise, me permito hacerles esta recomendación, para que la busquen este marzo 14. Pero escogiendo otra hora a la señalada más arriba, no sea que Nostradamus se nos despierte. 

15 RAZONES PARA EXTRAÑAR A STANLEY KUBRICK. A 15 AÑOS DE SU PARTIDA

Stanley Kubrick nos dejó el 7 de marzo de 1999 a los 70 años de edad. A su paso, uno de los legados más impresionantes e la historia del cine. He aquí 15 razones por las que podemos, debemos extrañarlo. Pero ustedes podrían encontrar decenas, cientos más. 

1. Supo mostrar como pocos la trágica poesía de una trinchera ensangrentada.

2. Predicó y demostró que una película cerebral, como un juego de ajedrez, no puede ser aburrida para el que quiera entender.

3. Por la simetría. La perfecta simetría.

4. Porque sí se atrevieron a hacer Lolita.

5. Por lograr resumir toda la historia de la humanidad en el espacio inexistente entre dos fotografías, a puro montaje. 

6. Porque aquiiiiiiiiiiiiii estáaaaaaaaaaaaaaaaaa Johnny!!!!!!!!!!

7. Por un hermosos disparo al aire con luz natural.

8. Por sacarle a Tom Cruise la mejor actuación de su vida. Sin egocentrismos. Con un imborrable sentido de derrota. Y sacarle eso a Tom Cruise son palabras mayores.

9. Por lograr hacernos reír de una posible guerra nuclear.

10. Porque este es mi rifle. Hay muchos como él pero este es el mío.

11. Por un baile estelar al ritmo de Strauss.

12. Por Nicole Kidman. Ella diciendo la última línea de la última película de Kubrick:  F*!k.

13. Porque I'm Siiiiinging in the Raiiiinnnn, siiinging in the raiiinnnn...

14. Porque no puedes pelear aquí, este es el Cuarto de Guerra. 

15. Por lograr resumir el mal absoluto en una mirada. Y las palabras sobraron.  

Se le ocurren a ustedes algunas otras? Si eres amante del cine estoy seguro que sí. 

Es más: creo que tengo por ahí un DVD original de LA NARANJA MECÁNICA que me está sobrando. Aquel que durante este mes de marzo me mande el "momento Kubrick" más original se lo obsequiaré. Escriban a yoveocine@gmail.com y me cuentan. 

Si no has logrado ver algún filme de Kubrick, acerque el oído, extienda la mano, recuerde: esta servilleta es para usted.

Ya entenderá. 

 

Y EL OSCAR ES PARA... EL QUE SEA, DA IGUAL

Hoy, en pocas horas, anunciarán quiénes son los ganadores de ese premio conocido como el Oscar. Dicho reconocimiento se da desde 1929, o sea que no falta mucho para que se cumplan cien años de hombrecitos dorados rondando por ahí.
Y cada año que pasa el premio importa menos y menos. Lo que mucha gente supone inocentemente es que los miembros de la academia votan realmente por el que creen fue el mejor trabajo. Y no, no es tan sencillo. El premio tiene demasiadas influencias para dejarselo a la sencilla buena calidad. y Dios libre a la academia de ir en contra de sus propios intereses económicos y políticos. Es difícil que alguien gane sólo por su buen trabajo, pero es mucho más sencillo ganar si tu película tuvo mucho éxito de taquilla- crítica, y si a los grandes estudios les interesa apadrinar con fuerza a alguien. Si algún ganador se sale del canasto su premio es influenciada muy posiblemente por otros intereses más solapados, pero siempre hay demasiadas cosas en juego. Como actualmente Hollywood es dominada por personas con seudointereses demócratas- liberales, pues se le da énfasis a obras que se consideren políticamente correctas. Y ojo que "políticamente correcta" en Hollywood significa" lo que esté de moda".
Hace unos días grabamos en el programa EN 10 PUNTOS , de mi amigo Alberto, una tertulia sobre predicciones para los ganadores de hoy. les comparto el enlace .


https://www.youtube.com/watch?v=pw_n5V9V0Ps


Hago la observación que luego del video sí me acordé de un anciano que se ganó su hombrecito dorado , fue Peter Fonda en los años ochenta por On Golden Pound. Quizá ustedes puedan encontrar algún otro ejemplo.
Y hacer ese pequeño ejercicio- juego, adivinar quién va a ganar el Oscar- no debe tomarse muy en serio, al igual que la tertulia que tienen acá deben tomarla muy a la ligera. Aparte de cuánto vayamos a acertar, aparte de las opiniones formadas o no, justificadas o no, recordemos que eso, discutir sobre los posibles ganadores, debe verse como lo que es: una buena excusa para encontrarse con amigos. Saludos y que gane Gravity.

CRITICA DE CINE: LA ZONA (STALKER)

Stalker.  Dirigida por Andrei Tarkovski. Escrita por Boris y Arkadi Strugatsky, basados en su novela "Picnic al Borde del Camino". Fotografía: Aleksandr Kniazhinski. Unión Soviética, 1979. 

En el marco del taller de apreciación de cine Disutopías Visionarias, sábados a las 6:30 pm en el Museo Joaquín García Monge (costado norte del parque de Desamparados). 

Acercarse por primera vez a la obra de Andrei Tarkovski (1932-1986) no es ni fácil, ni para cualquiera. Me explico. Desde los primeros años del cine, se fueron desarrollando muchas maneras de contar una historia, pero casi siempre se respetaba una estructura narrativa que podria resumirse -aunque de forma algo grosera- de la siguiente manera: el protagonista, con propiedades propias que le permiten al público identificarse con él de alguna manera, se involucra en una serie de sucesos en que encuentra aliados y enemigos. Se enfrenta a su contraparte, saliendo -casi siempre- victorioso, beso con la chica, final feliz. Este esquema-evidentemente, muy relacionado con la literatura- es el que aún hoy domina el grueso de las producciones cinematográficas en el mundo.
Tarkovski no creía en esto. En su gran libro testimonio, "Esculpir en el Tiempo", explica: 
La transposición de las características específicas de otras artes a la pantalla roba al cine su especificidad cinematográfica y hace difícil encontrar soluciones que se apoyen en las poderosas cualidades del cine como arte autónomo. Lo peor de todo ello es, sin embargo, que en esos casos surge un abismo entre el autor de la película y la vida. Entre los dos se están continuamente interponiendo intermediarios, procedimientos de artes más antiguas. Y esto impide sobre todo el que la película represente la vida en su fuerza originaria, tal como el hombre realmente la ve y la siente". (p. 42)
En estas palabras vemos su anhelo como artista comprometido: representar la vida. Leía y leía libros sobre teoría de cine, y mientras más leía, más palpable era para él no sólo separar al cine de la literatura, sino buscar precisamente eso, un lenguaje y una forma de contar historia que fuera puramente cine.  Detestaba el encasillamiento de un filme a un género, por ello nunca consideró Solaris o Stalker como "películas de ciencia ficción". Admiraba a Dreyer, a Luis Buñuel. Se definió en una búsqueda poética, entendiendo poesía no como un género, sino como una manera de ver el mundo y relacionarse con él. Y en esa búsqueda nos dejó sólo siete películas. Siete. A veces incomprendidas, pero todas joyas.

La que nos ocupa hoy fue la última que hizo en la antigua Unión soviética, y su trama es tan fantástica como perturbadora. En un territorio (identificado como La Zona) suceden cosas muy extrañas, aquel que entra difícilmente sale. Pese a ello, existen los stalker, que sirven como guías a aquellos que quieran atreverse a entrar a la Zona, con un objetivo: alcanzar una misteriosa habitación en la que, si logras entrar, se cumplen tus deseos más profundos. Pero todo el lugar es un laberíntico desafío al espacio-tiempo, y el stalker que conduce a un profesor y a un intelectual sabe que pueden acabar mal. 

Tarkovski se apoya, a contracorriente de los gustos más populares, en aquellos elementos que-al juicio desarrollado en su búsqueda- pueden hacer  del cine un ser autónomo. Largos travelings, alternancia de ricos colores con un blanco y negro perturbador, escenografías apocalípitcas tan austeras como hermosas,  actuaciones que nos simulan indiferencia... y presentimos que, en esta obra mayor como en otras suyas, Tarkovski logró su sueño: acercarse a la vida como sólo un verdadero artista sabe hacerlo. No podemos ver sus filmes como otros. Nos perderíamos su esencia. Como tratar de leer un atardecer. 
CALIFICACION: *****

CRITICA DE CINE: FROZEN, UNA AVENTURA CONGELADA

Frozen. Dirigida por Chris Buck y Jennifer Lee.Escrita por Jennifer Lee, inspirándose en el cuento "La Reina de las Nieves" de Hans Christian Andersen.Música: Christophe Beck. Con las voces de Kristen Bell, Idina Menzel, Josh Gad . Walt Disney Animation Studios. EEUU, 2013.

Viendo con mis hijas esta nueva propuesta de Disney, tuve varias impresiones encontradas. Para evitar que los que están muy ocupados sientan que les robo tiempo, les diré que la película está en general muy buena. Ahora démosle sustancia a dicha afirmación con algunos por qués y expongamos las impresiones encontradas.
Había una vez dos princesas nórdicas que eran hermanas y se querían mucho, Elsa y Anna. Elsa tenía el don del invierno: con sus manos creaba nieve, hielo, ventiscas y granizo. Pero como su poder era difícil de controlar, aprendió a aislarse de sus seres queridos para evitar mayores daños. Hasta que...
Con este esbozo los ubico en la aventura invernal de este fin de año. Si arañamos un poco la superficie, verán que de un tiempo para acá, Walt Disney Animation Studios nos ha puesto en diferentes historias y formatos una tesis firme: que las personas diferentes con dones especiales no deben ser aisladas, que la sociedad debe acogerlos con humanidad y respeto, y que así podemos dar espacio a la maravilla. Al que se pregunte de qué cuernos estoy hablando, los invito a ver o volver a ver Enredados (Tangled 2010), y Ralph el Demoledor (Wreck- It Ralph, 2012). La libertad y felicidad de las personas no debería ser coaccionada ni condicionada. Y siendo para mí muy válida esta tesis ya la peli tiene puntos a nivel moral, pero ¿ a nivel estético, artístico?

Tengo que decir que el guión , pese a algunas debilidades  y vacíos (que quieren hacer pasar por buen manejo de la elipsis), se sostiene bien . Gracias por unos puntos de giro narrativo bien ubicados! La historia, a todas luces llena de tragedia, está generosamente salpicada de momentos de excelente buen humor, gracias a personajes bien definidos (excepto por la caricatura del Duque de Weselton, que tuvo su momento cómico al bailar y luego no supieron qué hacer con él).Pero el que se roba el show, definitivamente, es Olaf, el muñeco de nieve que sueña con conocer las delicias del verano y al que evitan explicarle los efectos del sol para no crearle un conflicto existencial. Cada vez que Olaf aparece la risa está garantizada.

Lo que sí no me harán creer es que esta es una versión libre de la Reina de las Nieves, el inigualable cuento de Hans Christian Andersen,  por ahí lo ponen y espero que sea para motivar a la gente a buscar el texto. Allá cada uno. El desenlace- la resolución del conflicto, se presenta algo forzado y con un obvio Deux Ex Machina, pero hace años que dejé de ser tan exigente si mis hijas están sonriendo. Y estaban sonriendo.
El peso pesado de esta propuesta es la escena del paisaje invernal, dibujos generados por ordenador que de nuevo nos dejan boquiabiertos y nos hacen preguntar, qué no podrán hacer ahora?. La verdad es que en este aspecto se nota la influencia de los colaboradores de Pixar rondando por ahí.
 ¡Qué pereza con la música! Siendo algunas de las piezas bonitas, el exceso habitual de tonaditas que de pronto empiezan a interpretar los personajes (el sello Disney) logro cortar algunos buenos momentos. Y se supone que la música debe ayudarte con la narración, no empantanarla Me gustó el tema de la obertura, pero me ubicó más en la selva africana que en los nortes europeos. Casi creí que iba a ver El Rey León.
Vean el filme, difícilmente se arrepentirán porque de seguro pasarán un buen rato en familia. Pero traten de verla en 3D si pueden. No se pierdan el corto de Mickey Mouse que ponen al principio. Es de lo mejorcito en 3D que se ha hecho en los últimos años.

CALIFICACION :  ****

***** Excelente
****Muy Buena
***Buena
**Regular
*Mala
0 Muy mala
00 Pésima

CRITICA DE CINE: LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS

The Hunger Games: Catching Fire. Dirigida por Francis Lawrence. Guión de Simon Beaufoy y Michael Arndt. Producida pot Nina Jacobson y Jon Kilik. Música: James Newton Howard. Cinematografía: Jo Willems. Montaje: Allan Edward Bell. Con Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Woody Harrelson, Liam Hemsworth, Phillip Seymour Hoffman, Lenny Kravitz, Stanley Tucci, Jena Malone, Jeffrey Wright, Donald Sutherland. EEUU, 2013. Estreno.

Bien arrimadita a la sombra del libro bestseller de Suzanne Collins, así es esta propuesta del director Francis Lawrence, al que le conocía sólo dos filmes bastante aceptables (Constantine, 2005, cómic de lo mil diablos; y Soy Leyenda, 2007, remake de un remake).Digo "bien arrimadita" porque Lawrence no se arriesga a tontear. Se va al libro y así, dictadito, con buena letra, va desgranando la historia de la distopia conocida por millones de fans en el mundo.
Y es conocida por los fans la trama: Katniss, vencedora de la últma edición de los crueles Juegos del Hambre, es abordada por el Presidente, quien se siente amenazado por lo potenciales efectos al status quo que representa la figura de la chica. Aquí  cabía desarrollar una idea bastante buena: los tentáculos del poder y los medios de comunicación que tratan de manejar a las masas por intereses creados, pero ¡ay!, se les escapó la oportunidad. Se inclinan más por el conflicto amoroso que las condiciones impuestas le provocan a la protagonista, en un culebrón que nunca terminé de digerir del todo.
Como las voces revolucionarias son cada vez más difíciles de callar, el Capitolio toma medidas cada vez más extremas, culminando en una fórmula mágica para acabar con Katniss: cambiar las reglas del juego para obligarla a-adivinaron- volver a los Juegos del Hambre.

Si lo que escrito les parece duro, se los confirmo pero, de una vez aclaro: mi sarcasmo ante ciertas debilidades no hacen de esta puesta una mala película. Es, como dijimos los amigos al salir, un producto decente.Como una buena hamburguesa. Pero no es filet mignon. Yo me inclino más por la primera entrega, que se sostenía solita para cualquiera que la quisiera ver. Esta de la que hablamos hoy- se los dejo para que lo vean como un defecto o no- requiere que el espectador , o haya leido los libros de la saga, o haya visto la primera pelicula. Si entrabas a la sala aclarando que no sabías nada de previo  ahí te gritaban y te tiraban vasos: "¿que estás haciendo acá?" (bueno, no tanto así, pero ya me entienden).
Este filme, formalmene hablando, tiene cualidades buenas, e incluso exquisitas. El vestuario futurista, intencionadaremente kistch y exagerado para recalcar la decadencia de una clase rica absurda, en clara contraposición de los andrajos de los distritos pobres y las minorías ajenas a la capital. Lo mejor a mi gusto es la dirección artística: haber logrado los escenarios mostrados (especialmente, la Arena) es una flor en el ojal, ayudado eso sí por acertada parafernalia generada por ordenador. Lástima por la música de James Newton Howard. En cuatro palabras: ni fu, ni fa.

Con respecto a las actuaciones y al equipo de actores hay que resaltar este hecho: esta producción, basada en un bestseller, precedida por un exito de taquilla y de crítica, era de esperar que se trajeran un reparto de lujo. Y lo hicieron. Muchos de ellos (Lawrence, Sutherland, por ejemplo) se trajeron su personaje desarrollado del filme anterior y sencillamente se lo acomodaron bien como unos pantalones que te gustan mucho. Harrelson hizo a su personaje algo más centrado, más comedido. El que me llamó más la atención fue Stanley Tucci, quien lleva a su personaje de presentador  a entonaciones más chillonas y grandilocuentes, cosa que se consideraba matemáticamente imposible si hacemos memoria de su propuesta anterior. Y lo más curioso: le funciona bastante bien. Dos cosas que no entendí: primero, por qué no me convenció Phillip Seymour Hoffman. Es la primera vez que me sucede, pero no se la creí. Y lo otro: ¿por qué traen a un peso pesado de la actuación, a uno de los intérpretes más talentosos de la actualidad, como es Toby Jones, a decir solamente dos líneas tontas?

La película se deja ver, y la fanaticada de Los Juegos del Hambre darán viva fé de ello. Me queda claro, es una obra de transición para el esperado desenlace que se originará de la tercera novela, SINSAJO, y que ya anunciaron -¡sorpresa!- que se hará en dos entregas. Pero el dinero no tiene que ver con esto. Cómo creen.


Calificación: ***

*****Excelente
****Muy Buena
***Buena
**Regular
*Mala
0 Muy mala
00 Pésima

LA TRILOGÍA "ANTES..."

Es maravilloso cuando los creadores de historias encuentran algún personajeque vale la pena retomar, aún cuando hayan pasado los años. Lo hizo Verne con su capitán Nemo, lo hizo Dumas con sus mosqueteros, y Chaplin viajó a través de su Charlot por sendas obra maestras.
Doy un ejemplo que me impresiónó en la niñez. En 1966, el director Claude Lelouch ofrecía "Un hombre y una mujer" (Un homme et una femme). Entiendo que es una una aceptable historia de amor que aún no he tenido la oportunidad de ver, pero de la que probablemente nunca habría oído si no fuera porque, en los años ochenta, me encontré con una buena propuesta romántica llamada "Un hombre y una mujer, 20 años después" que , para mi cinéfila adolescencia, estuvo bastante bien. Dirigida por el mismo Lelouch, con los mismos actores que hicieron la del 66.

Lo traigo a colación porque me parecería rarísimo que no existiera alguna influencia de Lelouch en el realizador Richard Linklater, cuando hizo su filme "Antes del Amanecer" (Before Sunrise, 1995).

Antes del Amanecer es, indudablemente, una película atípica. La dirección fresca y segura de Linklater, con un guión  que puso al servicio de dos actores jóvenes de primera categoría; el estadounidense Ethan Hawke y la francesa Julie Delpy. La acción de la película transcurre en Viena. Los jóvenes se conocen de casualidad en un tren. pasan la noche deambulando por la ciudad a sabiendas que el próximo tren a tomar los separará. Pero ello no les impide empaparse uno del otro y darse cuenta de esa maravillosa revelación que muchos hemos tenido al conocer a esa persona: "aquí hay algo". El pacto que sellan con un beso: verse ahí mismo en unos meses, guardando la esperanza de que las pocas horas pasadas juntos son un inicio, y de que el otro se presentará. la belleza del filme es alimentado por las hermosas calles europeas, los diálogos exuberantes e inteligentes de los dos protagonistas (advertidos: la película son ellos dos, caminando y hablando), y del hecho de que su desenvolvimiento resulta  familiar para casi cualquier espectador que se haya enamorado en una noche. 

En el año 2004, Linklater vuelve a dirigir a Hawke y a Delpý en una segunda parte portentosa: "Antes del Atardecer" (Before Sunset), con guión esta vez coescrito entre los tres. La historia romántica que pasó nueve años atrás no tuvo el final feliz que todos querían, ella no llegó a la cita pactada, él escribió un libro sobre su experiencia que lo hizo famoso. En una presentación de su novela en Paris, ella aparece sorpresivamente, y deciden pasar el resto del día juntos, contándose qué ha pasado con sus vidas, amores y desamores, Saben que él debe tomar un avión al aterdecer. Y otra vez, el espectador tiene la oportunidad de contemplar a dos personas, ya más maduras y vividas, esgrimiendo diálogos hermosos, inteligentes, y sutilmente contenidos por la circunstancia de sus personajes. Y para nosotros es claro. El algo está ahí, silencioso, innegable.

Y es en este año, 2013, que Linklater repite dirección y hace de nuevo equipo de guión con Hawke y Delpý, para el tercer capítulo, "Antes de Medianoche" (Before Midnight). Esta vez, Linklater retoma las mismas estrategias narrativas, pero ubicándo a los personajes en Grecia en un impasse con amigos. Ahora él tiene cuarenta y uno, ella treinta y seis, llevan juntos varios años y son padres. Y aquí viene lo osado, lo más maravilloso de la trilogía: su romance no es perfecto. Viven en carne propia las mismas miserias  que afectan a la mayoría de los matrimonios maduros: la factura de los errores del pasado, los roces con las familias de origen, los egoismos, las descalificaciones... una posible infidelidad. En esta entrega se dan diálogos fuertes y escenas más explícitas sexualmente, pero en un contexto en que la intimidad es derrotada  por las situaciones más rutinarias y los conflictos más pueriles, y sabemos que- paradójicamente- el erotismo fue más intenso en otras escenas, en otras entregas, con la ropa puesta y sin necesidad siquiera de tocarse. Aquí estamos ante un reto emocional para el espectador: ¿podrá el amor , ese algo, levantarlos de su tristeza? Quizá, el logro de esta entrega- que esperemos no sea la última- es que , en vez de darnos las respuestas que queremos, nos plantea las preguntas adecuadas. Busquen estos filmes, veanlos con algunos días de diferencia uno del otro. Arrímense a un cine diferente de romance. Y  de verdad, pidamos que el trío de Linklater-Hawke- Delpy- se anime en uno años a continuar lo que empezaron en 1995, con dos muchachos que se conocieron por casualidad en un tren.